中国画作为中华民族艺术的象征，已经发展了数千年，走过了漫长的历程，它的发生发展与中华民族的生息发展同步，是中华民族审美经验的集中体现。它曾以其成体系的美学特色光照世界、辉映千古，同时有存在着停滞和僵化的潜在危机，在中国文化激烈的碰撞之中，它有面临着西方文化意识的强烈挑战。我选其为题，正是要使我们进一步认识民族艺术精神的无比可贵，在传统文化精髓的基础上以历史唯物论为指导，去探求中国画的真正价值，让人们知道我们中国的民族艺术。
一 中国画的历史渊源
中国画，是中国传统民族绘画的统称。中国画作为一门艺术，具有极高的文化价值和审美价值。它深深地扎根于中华民族深厚的文化土壤之中，经历了数千的发展，形成了融会整个中华民族文化素养、审美意识、思维方式、美学思想和哲学观念的完整的艺术体系，创造了辉煌的民族绘画史，成为我们民族艺术的瑰宝，也是人类最优秀的文化遗产之一。
中国传统绘画的主要种类。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟水墨写意画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。近现代以来，随着中国社会的急速发展和变化，许多勇于革新的中国画家，发扬传统艺术精华，融汇、吸收外来艺术营养，努力恢复传统艺术与现实生活的联系,促成传统艺术样式向现代形态的转变,使中国画出现了前所未有的新面貌。
二 中国传统绘画的艺术观
〔一〕“表现”与“似于不似”
构图,是现今的通俗说法,古人没有这样说的.南朝谢赫称之为"经营位置",就是画面各部分的谋划安排.这是一种十分实在的说法。相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉；洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。
在中国的艺术观中，“表现”与“似于不似”是很重要的美学观点。
根据“天人合一”、“缘物寄情”和“物我两化”之意向的艺术观，中国绘画一向是强调“表现”对象的，认为再现自然不是艺术家的最高追求，中国画不以模拟一时一地的真实作为艺术的标准，而是在绘画造型上追求“似于不似”。
齐白石先生在似于不似上有著名的论断。他说：“作画妙在似于不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。”
现代山水画家黄宾虹则进一步发展为：“画有三。一、绝似物像者，此欺世盗名之画。二、绝不似物像者，往往托名写意，鱼目混珠，亦欺世盗名之画。三、唯绝似又绝不似于物像者，此乃真画。”至此，我们可以清楚地看出，中国艺术家在似于不似这一重大艺术问题上的真知灼见。似于不似的真似，成为中国画表现技法的精髓。
〔二〕“气韵生动”、形神兼备”
传统中国画的审美特征用一个词来概括那就是“意象性”。虽然在传统中国画的发展过程中也出现过写实的表现形式，但终究没有形成主流，意象形态可以说是中国传统绘画的精髓，这也是中国传统绘画观念同西洋传统绘画观念本质上的差异。中国画重在表意，强调主体的特征，追根求源，我们就不得不从中国先哲的思想谈起，因为中国画的精神、画理、思维方法以至表现手法无不受其影响，它可谓是中国画产生和发展的主要根基。自古以来有关的绘画理论虽然说法不同而宗旨都一样，中国画一直是主张意象创作的。
中国画意境,是画家通过描绘景物表达思想感情所形成的艺术境界。它能使欣赏者通过联想产生共鸣,思想感情受到感染。绘画是否具有意境,这是作品成功与否的重要因素。追求意境的表现是中国传统美学思想的重要组成部分,是中国画的重要特征之一。
中国画不论是人物画、山水画,还是花鸟画,都特别注意表现对象的意境。“意境”即是“情景交融”的产物。这“情”是艺术家审美观的全部修养。中国画家认为,一件优秀的作品必须是画家从对客观事物的观察认识、体验感受中产生了某种思想感情,通过特殊的艺术构思和形象塑造,把这种思想感情充分表现出来,于是画面上才产生一种动人的境界,这就是意境。
意境是一个画家的修养在画面上的综合反映。“意存笔先,画尽意在”,是一幅优秀的中国画必须具备的。在中国先哲的思想中对中国画产生巨大影响的首推道家思想，意象之说中的所谓的“象”就是来自于中国道家的太极思想，中国画的艺术理论正是受到太极阴阳关系的影响，同时又融入了人的主观意识，才产生了中国画对“象”的认识。在中国古代儒家学派的经典著作《周易》中也强调“圣人立象以尽意”，法家代表著作《韩非子》中云“人稀见生象也，而得生象之骨案，其图以想其生也，故诸人之所以意想皆谓之像也”，从中我们已能体会到“意象”指的是人们对客观物象的主观意念和想象。到梁刘勰终于首次提出“意象”概念，指明了绘画创作中“物我感应”的关系。而东晋大画家顾恺之关于“迁想妙得”的艺术创作主张，可以说是对中国画“意象性”的最贴切的诠释了。“一幅画既然不仅仅描写外形，而且要表现出内在神情，就要靠内心的体会，把自己的想象迁入对象形象内部去，这就叫‘迁想’；经过一番曲折之后，把握了对象的真正神情，是为‘妙得’。颊上三毛，可以说是‘迁想妙得’了——也就是把客观对象真正特征，把客观对象的内在精神表现出来了。”③这种经过画家主观创造、反映物象内在精神的画面自然是具备意象趣味的。随后南齐谢赫提出了“六法”论几乎涉及了绘画的所有问题，中国画的“意象性”不言而喻。唐代张璪的“外师造化，中得心源”更是把画家胸中意象的产生描绘得精辟而独到。北宋苏东坡诗云：“论画以形似，见与儿童邻”，画家旨在以有限的形表达无限的神，追求一种“天人合一”的意象妙境。后来倪云林的“逸笔草草，不求形似”、黄宾虹的“惟绝似又绝不似于物象者，此乃真画”和白石老人的“妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”均指此意。
"意存笔九，画尽意在"一语，出于唐代张彦远《历代名画记》．是他赞扬顾恺之的人物画所作的评语说明画者的意图，包括着主题的构思，形象的刻划，笔墨的运用，在动笔之光，已经都考虑成熟，这样在落笔时才可以脱颖而出，画作完了，画者精密而深透的意图在画上也永存下来了。这句话还说明构思一经成熟，下笔后才能“意在笔先”，“不滞于手，不凝户心一”，"画尽意在，象应神全"。
三 学习中国传统绘画观的意义
中国画作为中华民族艺术的象征，已经发展了数千年，走过了漫长的历程，它的发生发展与中华民族的生息发展同步，是中华民族审美经验的集中体现。它曾以其成体系的美学特色光照世界、辉映千古，同时有存在着停滞和僵化的潜在危机，在中国文化激烈的碰撞之中，它有面临着西方文化意识的强烈挑战。中国画作为一门艺术，具有极高的文化价值和审美价值。它深深地扎根于中华民族深厚的文化土壤之中，经历了数千的发展，形成了融会整个中华民族文化素养、审美意识、思维方式、美学思想和哲学观念的完整的艺术体系，创造了辉煌的民族绘画史，成为我们民族艺术的瑰宝，也是人类最优秀的文化遗产之一。
创新是中国画艺术的优秀传统和生命线。王羲之曾云：“群籁虽参差，适我无非新。”他认为天地间的参差万物，适合于他的无非是新颖的特质。
我们的先辈曾用自己独特的绘画方式，成功地反应了自己所处的时代。而我们也完全可以用崭新的笔墨语言、现代形式、创新意识，反映我们的新时代，创作出新的历史画卷。一个辉映着民族优秀传统的光芒、而又闪烁着中华现代精神的中国画艺术，将出现界的地平线上，让我们满怀信心的去迎接她吧！
参考文献
[1] 郑朝、蓝铁.《中国画的艺术与技巧》.中国青年出版社.1989年9月
[2] 中央美术学院中国画系编著.《中国画》.高等教育出版社.1990年9月
[3] 郎承.《中国画构图大全》.浙江人民美术出版社
[4] 陈传席.《中国绘画美学史》.人民美术出版社.2002年7月
[5] 郑朝、蓝铁.《中国画的艺术与技巧》.中国青年出版社.1989年9月
[6] 中央美术学院中国画系编著.高等教育出版社.1990年9月
[7] 陈文斌.《品读世界美术史》.北京工业大学出版社.2007年2月